Por que a plateia está cantarolando a trilha sonora de “Ainda Estou Aqui”?

As pessoas saem das salas de cinema, nas quais o filme Ainda Estou Aqui caminha para seu segundo milhão de espectadores, cantarolando uma canção de 1971 de Erasmo Carlos, É preciso dar um jeito, meu amigo, a terceira faixa do já lendário disco Carlos, Erasmo (Philips), o sétimo disco do Tremendão. É uma protest song: Erasmo aborda na letra o desamparo, a angústia e a perplexidade causados pela repressão política, pelo jogo sujo dos militares e o exílio forçado. “As crianças são levadas pela mão de gente grande/Quem me trouxe até agora/Me deixou e foi embora como tantos por aí”. Alguns telespectadores, inebriados pelo efeito psicotrópico das guitarras, baixo e bateria, o arranjo visionário de Manoel Barenbein, sentenciam: “Erasmo sempre foi muito melhor do que Roberto!”. Infelizmente, é preciso dizer que a canção também é dos dois, Erasmo e Roberto Carlos.

A trilha sonora do filme do ano, Ainda Estou Aqui, de Walter Salles, como há muito tempo não acontecia, é de fato um dos grandes sustentáculos estéticos do filme. Sua presença tem um duplo sentido: primeiro, emoldurar cada cena, dar relevo e realçar a atmosfera cênica; e um segundo efeito, o de lembrar que, no nevoeiro escuro de um período tenebroso, havia uma arte sendo realizada com excelência e destemor. Enquanto a vida estava por um fio, quase paradoxalmente, a música seguia plena de excelência e criatividade ilimitada. Essa aparente contradição não é casual.

O desfile do repertório escolhido pode despertar, inicialmente, uma certa rinite alérgica ao hipsterismo. Afinal, colocar Caetano Veloso e Gal Costa em filme dos anos 1970 (Baby, de 1969, Um Índio, de 1976, já da fase Doces Bárbaros, e Falsa Baiana, de 1970, composição de Geraldo Pereira dos anos 1940) é praticamente um clichê. Mas não há o que fazer: Caetano e Gal estavam lá mesmo, protagonizando grande música, e fascinavam as cortes universitárias. Gil comparece com sua própria personalidade, na memória da garota que ele convidou para dançar durante o exílio em Londres.

Mas é quando o pai do filme, Rubens Paiva (Selton Melo), saca o rock da filha da vitrola e coloca Take Me Back to Piaui, do ídolo satírico Juca Chaves, de um compacto da RGE de 1970, que a coisa vai para outro patamar, como diria Bruno Henrique. Arranjo extraordinário do maestro Hector Logno Fietta, é o balanço de Take Me Back to Piauí que envolve o “baile” final do filme, um elogio da doce irresponsabilidade do gosto e da liberdade. Conta-se que a canção é uma resposta de Juca Chaves a Jorge Ben, com quem viveu uma quase treta. É uma divertida sátira a País Tropical (e também um aceno de pacificação, não uma provocação). “Adeus Paris tropical, adeus Brigitte Bardot/O champanhe me fez mal, caviar já me enjoou/Simonal que estava certo, na razão do patropi”. Mais adiante, Jorge Babulina responderia de novo a Juca com Aleluia, Aleluia (“Quem dera que Paris fosse tropical e tivesse uma nega chamada Tereza”).

A trilha prossegue por outras pérolas da MPB setentista. Jimmy Renda-se saiu em um compacto de Tom Zé em 1971, como Lado B de Irene. É uma composição de Tom Zé e Valdez. Usando palavras em português e inglês com solavancos de portuglish, Tom Zé cria uma blitz fonética frenética satirizando a reverência anglofônica, uma novilíngua de puro delírio e harmonia. No ritmo, ele também funde gêneros, adicionando fraseados de baião e xaxado ao triunfalismo de certa música estrangeira, e ainda fazendo referências aos Olimpo do rock, como Jimi Hendrix (Jimmy Renda-se), Janis Joplin (Jane Chope) e Bob Dylan (Bob Dica).

A Festa de Santo Reis saiu no disco de 1971 de Tim Maia. O compositor da canção, o paulistano Marcio Leonardo, escreveu a música quando tinha 15 anos de idade. Marcio e Tim se conheceram quando Tim Maia cantava na noite de São Paulo, na boate Cave. Marcio Leonardo era amigo dos donos da boate, e tornou-se também amigo de Tim Maia. Quando lhe mostrou suas composições, o tijucano não teve dúvidas. Virou um dos seus maiores sucessos.

Agoniza mas não morre, de Nelson Sargento, é de 1978, e sua presença no filme é totalmente metalínguista. “Samba/Agoniza mas não morre/Alguém sempre te socorre/Antes do suspiro derradeiro/Samba/Negro, forte, destemido/Foi duramente perseguido/Na esquina, no botequim, no terreiro”.

Roberto Carlos comparece no rádio da doméstica, o que não é totalmente absurdo – é e sempre será o cantor maior do coração do Brasil, a voz que estava embalando a vida cotidiana, trabalhadora e alheia, enquanto o pau comia nos porões. Mas não é uma composição qualquer que o filme pinça de Roberto. É As Curvas da Estrada de Santos (1969), que Roberto Carlos cantou para a família de Caetano Veloso durante uma visita a Londres, durante o exílio do baiano.

Os estrangeiros da trilha sonora não são menos simbólicos. Petit Pays, do caboverdiano Nando da Cruz e cantada por Cesária Évora, também caboverdiana, é uma canção que trata da inserção de um pequeno país insular em um mundo globalizado (“uma estrela que não brilha”, “um grão de areia que não se molha”), e de como a afirmação cultural é o elemento de força que dá régua e compasso ao seu povo. The Ghetto, do soulbrother cantor e tecladista Donny Hathaway, é uma pérola do R&B de 1970. O tema incidental, que permeia as cenas da personagem Eunice, é The Fight, de 2020, é um tema pungente do compositor cult islandês Jóhann Jóhannsson, com a Orquestra Filarmônica de Praga.